Hubo un tiempo, digamos, de 1998 a 2008, donde el rosa y el negro eran básicos de moda, los niños usaban delineador de ojos, las bandas gritaban cosas como "¡solo de bajo!" en el medio de sus pistas, y podrías cantar canciones pop haciendo "bats-bats-bats-bats" para emular una línea de batería de Travis Barker a menudo imitada. La era del punk de centro comercial fue hermosa, pero la dábamos por sentada.
Un descriptor condescendiente que priorizaba el atractivo adolescente, comercial y en gran parte femenino del género, el mall-punk se consideraba una alternativa superficial al trabajo muy serio e importante de los punks encostrados como, no sé, ¿NoFX? ¿Lagwagon? ¿Less Than Jake? El ridículo que atraía el punk de los centros comerciales nunca encajaba con el crimen, ¿verdad?
Han pasado exactamente 20 años, desde junio de 2002, cuando Avril Lavigne lanzó su álbum debut Let Go, una obra de punk de centro comercial que presenta himnos tan innegables como Complicated, Sk8ter Boi y I'm With You. Si hubo un momento para reevaluar el impacto cultural del punk de centro comercial, ya estamos atrasados.
No es que el género no tuviera sus elogios populares. Complicated fue un éxito para Lavigne en su lanzamiento, alcanzando el puesto número 1 en las listas de sencillos de ARIA, mientras que el álbum Let Go vendió más de 16 millones de copias en todo el mundo. En los Grammy de 2003, Complicated incluso fue nominada a canción del año, y finalmente perdió ante Don't Know Why de Norah Jones (una de las cientos de razones por las que los Grammy nunca deberían ser evocados como un barómetro histórico de relevancia cultural).
Pero para ese año, Lavigne ya estaba socavando el éxito de Complicated, disculpándose en entrevistas por ser demasiado pop y sugiriendo que la canción "no me representa". Su ambivalencia en ese momento es comprensible: cuando los medios te enmarcan como el "anti-Britney": un ícono adolescente "que usa pantalones anchos, pulseras de plástico y el ceño fruncido, no los hilos diminutos y las sonrisas Ultra Brite de Britney y Mandy y Beyonce”, como lo expresó Rolling Stone en su artículo de portada de marzo de 2003: cualquier artista inteligente se inclinaría hacia la narrativa. Pero es una pena que sintiera que tenía que hacerlo.
La respuesta crítica a Let Go fue igualmente confusa, con elogios por su energía y ganchos regularmente socavados por un aparte despectivo: " Total Request angst", escribió Rolling Stone, sugiriendo que Lavigne estaba vendiendo rebeldía corporativa; “más poser que punk”, escribió Slant, otro golpe a la autenticidad de Lavigne. ¿Qué querían de esta cantante canadiense de 17 años? ¿Para verla escupir a los policías? ¿Verla dispararse y morir en un hotel de Nueva York?
En el apogeo del mall-punk, algunos críticos ilustrados ya estaban cuestionando el rechazo del género por parte de sus seguidores. Escribiendo en el New York Times en 2003, Kelefa Sanneh describió el mall-punk como “un subgénero gobernado por bandas educadas y enérgicas que a veces parecen haber sido inventadas en un laboratorio de MTV. El término se usa invariablemente como un insulto, a pesar de que las bandas en sí son generalmente inobjetables”. Imagínese odiar a Good Charlotte, nos decía, y la mayoría de nosotros mayores de 14 años simplemente nos reímos.
Por supuesto, no me estoy dejando escapar. En ese momento, mi disfrute del mall-punk era casi irónico. Las canciones eran claramente pegadizas, pero demasiado ligeras para ser significativas. Además, el género era omnipresente en los primeros años: cuando incluso Australian Idol promocionaba pistas como Wasabi de Lee Harding, era fácil ser cínico.
Recuerdo un momento particularmente vergonzoso cuando Good Charlotte vino para una presentación íntima en la sede de Sony Music en Sydney. Me encontré con un amigo allí, nos emborrachamos con cerveza gratis y terminamos gritando en voz alta durante todo el set acústico de Madden Bros, cacareando "¡Otro himno perdedor, woah-oh!" después de cada canción y provocando miradas de disgusto de los representantes de la discográfica de Sony. Para su crédito, los hermanos fueron buenos deportistas: se rieron, nos saludaron desde el escenario. Son punks, ¿verdad? Estoy seguro de que podrían apreciar que algunos jóvenes (más o menos) sinvergüenzas interrumpieran su evento de sello totalmente corporativo. Incluso me hice una foto con ellos después. No te preocupes, los Madden y yo estamos bien.
En cualquier caso, sacadas de su opresivo contexto original, estas se alzan como increíbles canciones pop. Melódico, enérgico, acelerado, romántico, resentido, juguetón, malcriado y más antes de que te des cuenta: ahora eso es lo que yo llamo música. Me doy cuenta de esto ahora, al igual que todos nosotros. Quiero decir, ¿alguna vez has hecho Fat Lip de Sum 41 en un karaoke? La alegría que llena la habitación afirma la vida. ¿O incluso 7 Things de Miley Cyrus, con su astuto cambio de estrofa de cierre al estilo de Julia Stiles? No lo olvidarás.
Irónicamente, los niños ya lo entienden. Que toda una generación de artistas que apenas eran niños pequeños en el apogeo del punk de centro comercial se han convertido en las principales superestrellas del pop actual al revivir los estilos del género: Olivia Rodrigo y Machine Gun Kelly, obviamente; también puedes escucharlo en The Kid Laroi y legiones de acólitos post-Lil Peep, post-Juice Wrld, es un testimonio de la invenciones atemporal del punk de centro comercial: era un niño. Ella era una niña. ¿Puedo hacerlo mas obvio?
También significa que estamos un paso más cerca del ideal Y2K de tener una banda de ska actuando en el acto final de cada nueva película adolescente de Hollywood, lo que es una prueba concreta de que el mundo se está moviendo en la dirección correcta.
Escrito por Robert Moran para SMH | smh.com.au
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